Arte + Design. Sagacidade, humor e WOW

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Em Nova York, milhares de conhecedores de arte, colecionadores, galeristas (e seus funcionários) e designers de interiores convergiram para o Park Avenue Armory para arrecadar dinheiro para instituições de caridade.

Em algumas noites frias de novembro em Nova York, milhares de abastados conhecedores de arte, colecionadores, galeristas (e seus funcionários), designers de interiores e outros que gostam de um grande coquetel e de impressionantes objetos de arte, convergiram para o Parque Avenue Armory para OMG, OOO e AhAha por obras originais de grande beleza (e ótimos preços) para arrecadar dinheiro para instituições de caridade (incluindo a Dia Art Foundation e a Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique e InCollect participaram como patrocinadores do evento.

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Cinquenta e seis galeristas de 11 países (incluindo EUA, Europa, Reino Unido, Alemanha, Bélgica, França, Dinamarca, Itália, Mónaco, Países Baixos, África do Sul, Espanha e Suécia) de 30 galerias internacionais – apresentaram uma abordagem global ao modernismo. O Salão exibia (para compra e admiração) móveis históricos, modernos e contemporâneos, designs originais e arte do final do século XIX ao XX.

 Valor da Economia Criativa

Em 2015, o valor da produção artística e cultural nos EUA foi de 763.6 mil milhões de dólares, representando 4.2% do produto interno bruto. As artes contribuíram mais para a economia nacional do que as indústrias de construção, mineração, seguros, alojamento e alimentação.

  • Os artistas criativos são um activo económico nos EUA e em 2015, graças aos artistas, os EUA tiveram um excedente comercial de 20 mil milhões de dólares em artes e produtos culturais (a América exportou 63.6 mil milhões de dólares e importou 42.6 mil milhões de dólares em artes e cultura).

 

  • Os consumidores da Economia Criativa gastam mais de 102.5 mil milhões de dólares em artes, incluindo bens e serviços, bilhetes de entrada, alimentação, alojamento e presentes (2017).

 

  • O sector das artes e da cultura proporciona um grande número de empregos (4.9 milhões em 2015), representando 3% de todos os empregos nos EUA, que, colectivamente, pagaram aos trabalhadores 372 mil milhões de dólares.

Estados prosperam com as artes

Entre os estados, as artes representam a maior parte da economia de Washington, 7.9% ou 35.6 mil milhões de dólares. Baseando-se na indústria do cinema e da televisão, a economia da arte da Califórnia é a que entrega mais dinheiro entre os estados, com 174.6 mil milhões de dólares (7%).

Nova Iorque ocupa o segundo lugar em ambas as categorias, com as artes a trazerem 114.1 mil milhões de dólares (7.8%) para a economia. Os 462,584 trabalhadores artísticos do estado ganharam coletivamente US$ 46.7 bilhões (2015).

Delaware é o que menos depende das artes, que representam apenas 1.3% da economia do estado, ou US$ 900 milhões.

O Evento: Salão de Arte + Design Show

Como muitos artistas apresentam seus trabalhos mais recentes neste evento, ele aparece no topo da lista de “tarefas” do mundo da arte. Eu gostaria de adquirir quase todas as peças expostas, mas o tempo, o espaço e os recursos limitados proíbem esta atividade; no entanto, posso recomendar “algumas das minhas coisas favoritas”.

Seleção com curadoria

  1. Molly Hatch. Estúdio Todd Merrill & Associates. Nova Iorque

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Molly Hatch traz o WOW para a arte contemporânea. Ela transformou o que era um clichê (pratos pintados pendurados na parede, populares na década de 1940) e transformou o conceito em obras de arte colecionáveis ​​que se adaptam ao estilo de vida milenar (móvel, livre e mutável).

Pratos pendurados eram uma forma tradicional de exibir louças decorativas e fazem parte de muitas culturas, da Europa à Ásia. Séculos atrás, exibições elaboradas de pratos em uma casa eram um sinal de riqueza e alto status social.

Hoje, Hatch projeta seus pratos para serem pendurados nas paredes para que possam ser observados e admirados. Seu paladar enorme e colorido incentiva os espectadores a reconsiderar o que é novo e o que é agora; o que era comum agora é extraordinário.

Hatch nasceu em 1978. Sua mãe era pintora e seu pai, produtor de leite orgânico. Ela estudou desenho e cerâmica, obtendo seu bacharelado na Museum School em Boston, MA. Após a faculdade, ela trabalhou com a ceramista Miranda Thomas em Vermont e as residências em cerâmica continuaram nos EUA e nas Índias Ocidentais. Seu mestrado em cerâmica é da Universidade do Colorado, Boulder. Em 2009, ela recebeu a residência artística/indústria em cerâmica no John Michael Kohler Arts Center em Wisconsin.

Hatch atualmente trabalha em seu estúdio caseiro em Northampton, MA. Além da cerâmica, é escritora, artista-designer e cria estampas de tecidos, móveis, joias, gravuras, desenhos com bico de pena e pinturas. Ela se inspira em tendências históricas em tecidos, fontes, cerâmicas e móveis, reconhecendo um estilo de vida contemporâneo que inclui referências ao hip-hop, letras de músicas indie, mensagens de texto e colóquios colecionados.

  1. Hubert Le Gall. Galeria do Século XXI
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O designer francês Hubert Le Gall nasceu em Lyon em 1961. Formou-se em administração na faculdade e, após se formar, mudou-se para Paris (1983). Em 1988 começou a pintar e esculpir, desenhando peças de mobiliário que ultrapassavam fronteiras, ligando o poético e a fantasia ao funcional.

Ele se inspira no que é surreal, mas com sussurros (e gritos) das civilizações grega e romana, do século XVIII francês, do Império, dos períodos Art Nouveau e Art Déco. Ele também foi inspirado por Salvador Dali, Jean Cocteau, os surrealistas e Max Ernst.

Seu trabalho ganhou aplausos internacionais em 1995, quando foi descoberto e promovido pela galerista Elisabeth Delacarte. A sua primeira exposição foi na Galerie Avant-Scene parisiense e as obras expostas (incluindo mesas de margaridas e cómodas de flores) tornaram-se apreciadas como as suas peças de assinatura.

  1. Rico Mnisi. África do Sul

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Rich Mnisi, nascido na África do Sul, iniciou a sua empresa em 2014. É conhecido como Líder na Ciência da Moda e reconhecido como Jovem Designer Internacional do Ano da Africa Fashion (2014).

A sedutora poltrona de couro de Mnisi assume o formato da poltrona de Nwa-Mulamula (The Guardian), representando a presença de sua bisavó. É a sua existência e os seus ensinamentos que perduram para sempre através da narrativa, geração após geração. O banquinho, em forma de olho com poças douradas”,… representa as suas lágrimas, que nunca foram em vão. Sem sua dor e suas experiências, eu não existiria. Eu não poderia ser a pessoa que sou hoje” (Rich Mnisi).

As formas sensuais são intemporais e a sua essência é exclusivamente africana, ao mesmo tempo que é universalmente fascinante.

  1. Reinaldo Sanguino. Galeria Futuro Perfeito. Cidade de Nova York.

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Reinaldo Sanguino nasceu na Venezuela e atualmente trabalha na cidade de Nova York. Suas peças de arte e cerâmica homenageiam a vibração de seu ambiente e cada peça única utiliza o barro como estrutura e tela.

Sanguino se formou na Escola de Artes Visuais Cristobal Rojas em Caracas, Venezuela. Desenvolveu a sua técnica com base no seu interesse pela porcelana Meissen e pela sua importância na história europeia. Ele é inspirado e influenciado pela pintura estilo graffiti e seu trabalho chama a atenção pelas cores vibrantes, texturas e materiais maleáveis.

Em 2007 foi indicado ao Prêmio Louis Comfort Tiffany Biennial e um dos artistas participantes da 5ª edição da Bienal 2007-2008 do El Museo Del Barrio, “the (S) Files” na cidade de Nova York.

As obras de Sanguino estão expostas na Sultan Gallery, como parte do Dean Project New York; o Museu de Artes e Design, Nova York; o Museu de Belas Artes de Houston, Texas; o Museu MINT em Charlotte, Carolina do Norte e o Instituto de Artes de Minneapolis, Minneapolis, Minnesota. Fez sua estreia no Design Miami com The Future Perfect (2017).

  1. Pamela Sabroso e Alison Siegel. Galeria Heller. Nova Iorque

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Pamela Sabroso recebeu seu bacharelado em Artesanato e Estudos de Materiais pela Virginia Commonwealth University (2007) e Alison Siegel recebeu seu bacharelado em Belas Artes pela Alfred University (2009). Atualmente eles moram e trabalham no Brooklyn, Nova York.

Eles começaram a trabalhar juntos em 2014 e descobriram que suas ideias emergem e se fundem por meio de desenhos, discussões e da fisicalidade de trabalharem juntos. Juntos, eles são aventureiros e trazem uma qualidade nova e única a cada objeto que criam. Os trabalhos finais são divertidos, inteligentes, animados, pouco convencionais e cativantes. Definitivamente trabalhando no século 21, eles compartilham uma liberdade criativa que tem suas raízes no movimento americano Studio Glass.

O trabalho intensivo em mão-de-obra começa na fabricação de peças e moldes de cera para soprar vidro e se estende até o sopro de vidro. Sabroso, discutindo o seu trabalho com Siegel, “…para ser criativo é preciso permitir-se ser vulnerável. Quando você é honesto sobre quem você é, revela uma perspectiva única e estranha. Nossas criações combinadas são Stranger Together.”

  1. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Belas Artes. Nova Iorque
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Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Wright nasceu em Richland Center, Wisconsin (1867). Durante sua carreira de 70 anos como arquiteto, Wright criou mais de 1100 projetos. Embora tenha ingressado na Universidade de Wisconsin (1885) e estudado engenharia civil, logo ficou insatisfeito com a área. Quando trabalhou para Joseph Silsbee na construção da Capela da Unidade, ele percebeu sua paixão pela arquitetura, então se mudou para Chicago e estagiou no escritório de arquitetura Adler and Sullivan, trabalhando diretamente com Louis Sullivan (1893).

Ele então se mudou para Oak Park, Illinois e começou a trabalhar em seu estúdio em casa, onde desenvolveu um sistema de design desenvolvido a partir de unidades de grade com foco em materiais naturais que ficou conhecido como Prairie School of Architecture.

Durante as décadas de 1920 a 1930, ele passou seu tempo ensinando e escrevendo. Em 1935 começou a trabalhar em Fallingwater, seu projeto residencial mais celebrado. Nas décadas de 1940-1950, ele se concentrou em projetos usonianos que refletiam sua crença na arquitetura democrática, oferecendo opções residenciais de classe média.

Em 1943 ele projetou o Museu Solomon R. Guggenheim em Nova York. O museu foi inaugurado em 1959, seis meses depois de sua morte e é considerado sua obra mais significativa.

A Galeria de Belas Artes Bernard Goldberg em Nova York foi fundada em 1998 por um advogado nova-iorquino. Hoje a galeria é especializada em Arte Americana (1900-1950), incluindo pinturas, esculturas e trabalhos em papel Ashcan, Modernista, Realista Urbano, Realista Social e Regionalista.

O Hoi Polloi participando do evento

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Procure o Salão em novembro de 2019. Faça suas reservas com antecedência… este é um evento estelar para quem acha fascinante o mundo da arte e do design.

© Dra. Elinor Garely. Este artigo com direitos autorais, incluindo fotos, não pode ser reproduzido sem a permissão por escrito do autor.

Sobre o autor

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Dra. Elinor Garely - especial para eTN e editora-chefe, vinhos.travel

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